为徐悲鸿说几句话

杨振伟

为徐悲鸿说几句话（一）
看了一篇批评徐悲鸿的文章，题目是《徐悲鸿的“重评中国画史”》觉得作者对徐悲鸿很不公平，很想为徐说几句话。想说的比较多，又怕别人听了心烦，太罗嗦，就只好挑主要的说。第一个话题就是：
明清以前的中国画史是不是一个逐渐衰败的历史？
徐悲鸿说是；作者说不是。到底是不是呢？不能靠说嘴，要看事实。
从原始绘画到汉唐绘画再到宋画，是一个不断上升的过程，这个好象没有疑问。对于宋以后，特别是元以后直到晚清，事实上呈现的就是一个逐渐衰败的过程。衰败的迹象是多方面的。其中主要的迹象就是人物画渐渐退出画坛的主宰地位，而让给了山水画。
这一关键性的变化对后世产生了下列影响。
一是绘画题材越来越窄，基本被框在一个以出世隐居为主题的小范围里。
二是画家基本脱离了大多数人的具体生活，只关注于个人的内心感受。作品便不能够很好地反映时代甚至往往给人以假象。和同时期的文学作品相比，人文价值明显不高。这个从存世作品的比较中很容易看到。
三是因为不关注人，导致不去或少去画人，致使刚刚有了一点进展的人物画技法停了下来，一直到晚清没有什么实质性的进步。
四是不重写生（认为没必要），只事临摹，致使山水画本身的技法层层相因，最后变得了无生气（四王）。
五，也是最重要的。因为山水画的内在驱力是逃避现实。影响到全部绘画。无论是人物还是花鸟，都有了一种离世的倾向，成为自得其乐的世外桃源。无论世人有多苦难，都跟画家无关。画家成了最没有担当的人群。
这五条就是元以后的中国画的状况。题材越来越窄、作品越来越缺少人文价值、离当时的社会生活越来越远、技法越来越疆化、画家越来越没有担当。这样的状况能不越来越衰败吗？
我说了一大堆都是消极的东西。有没有积极的呢？当然有。一是重主观，可以一定程度地表现自我。但也只是一定程度。不能尽兴。比如要表现自己内心的极端愤怒和喜悦，就办不到。因为这两种情绪是被中国文人们鄙视的。二是让画画变得轻松。学画变得容易。这两点还是有一定意义的，但也只能在中国绘画完成了写实这一课程之后才会更有意义。这一点以后还要谈及。至于说体现了天人合一的东方哲理，倒是须要计论的。那些在画中悠哉游哉的点景人物（既画家本身）。他们对天人合一的理解真的比在山中种地的山民更加深刻吗？
我们再看徐悲鸿是怎么说的：
“元四家为八股山水祖宗，惟以灵秀淡逸取胜，隐君子之风，以后世无王维，即取之为文人画定型，亦中国绘画衰微之起点。” （《故宫所藏绘画之宝》，1935年）
    “自元以后，中国绘画显分两途：一为士大夫之水墨山水，吾号之为业余作者（彼辈自命为“文人画”），一为工匠所写重色人物、花鸟，而两类皆事抄袭，画事于以中衰。” （《论中国画》，约1938年初）
    “中国艺术没落的原因，是因为偏重文人画，王维的诗中有画、画中有诗那样高超的作品，一定是人人醉心的，毫无问题，不过他的末流，成了画树不知何树，画山不辨远近，画石不堪磨刀，画水不成饮料，特别是画人不但不能表情，并且有衣无骨，架头大，身子小。不过画成，必有诗为证，直录之于画幅重要地位，而诗又多是坏诗，或仅古人诗句，完全未体会诗中情景，此在科举时代，达官贵人偶然消遣当做玩意。”（《世界艺术之没落与中国艺术之复兴》，1947年）
他说得有点情绪化。可是对不对呢？我以为大多是对的。因为就当时的情况其实正是如他所说的那样。别说是当年的有识之士如鲁迅康有为等一大批人物，就连老百姓也感觉到了。中国画必须改革，不改，就是死路一条。
第一个话题目暂时说到这。